Rob Tannion es el director de CRECE’09. Este prestigioso director de escena y coreógrafo australiano nos recibe en la cafetería del Price, con una cocacola y una napolitana. Son las tres de la tarde y empiezan a llegar los artistas de CRECE, para calentar y afinar la función de esta tarde.
Teatro Circo Price: CRECE’09 es un espectáculo que habla de la crisis, personal y social, como un motor para el cambio, para la renovación. ¿Qué herramientas has utilizado para volcar una idea tan abierta en un trabajo concreto?
Rob Tannion: Hemos atravesado diferentes etapas. La primera, funtamental, consistió en conocer a la gente [los artistas de CRECE son 15 jóvenes venidos de toda Europa, cada uno especialista en una técnica circense], ver cómo se relacionaban entre ellos, cómo se relacionaban con su técnica. Me obligué a mí mismo a explorar, a permitir que surgieran las historias sin forzarlas. Yo quería hablar de la separación en una pareja, eso lo tenía claro. Pero una separación no es un hecho aislado; lo importante son los cruces, los reencuentros… Mario Militano [mástil] y Laura Trefiletti [cuerda tensa] representan ahora esa pareja que se encuentra y se desencuentra. Con David Menes [clown y malabares] y Tania Cervantes [cable], sin embargo, íbamos a trabajar también como pareja, pero el proceso ha llevado a otro sitio, a esa historia de David en la fiesta y Tania que le rechaza. Está bien, no se trata de forzar un resultado para que se adapte a una idea inicial mía. Así el resultado es más sincero.
TCP: ¿Habéis trabajado la crisis en su dimensión económica y social?
RT: En la primera semana surgió una acción que funcionaba muy bien. Quince personas en escena, cada una con un cuenco de arroz; y de repente llegaba Mario con un saco de 20 kg de arroz y subía él solo al mástil: era la avaricia. Sin embargo había que elegir de qué tipo de crisis queríamos hablar, para no volvernos locos, así que renunciamos a material como éste.
TCP: ¿Cómo has conseguido llevar a cabo un trabajo colectivo sin que se “descontrole”?
RT: Para llamar colectivo a un trabajo hay que respetar lo que ofrecen todos los artistas. Pero necesitamos una voz, una visión. En este proceso ha habido gente con ideas muy claras: por ejemplo, Lolita Costet y Lennert Vandenbroeck [mano a mano] dijeron desde el principio que ellos no querían ser pareja, sino llevar a cabo una lucha. Yo he hecho artes marciales durante años, así que lo transformamos en algo interesante. Todo ha sido un intercambio. Y de modo constante: yo no llego al estreno pensando que hemos terminado, ni dándome por satisfecho cuando algo funciona bien. Para mí, después de mis diferentes experiencias como coreógrafo y director, lo que cuenta es el ritmo; éste nos da el esqueleto y sobre él podemos quitar e incorporar cosas en cualquier momentos. Lucie Maisha N’Duhirahe y Francesca Hide [número aéreo de doble onda] vinieron el día antes del estreno con una propuesta y la acepté.
TCP: ¿Ha cambiado tu visión de la crisis a lo largo del proceso?
RT: He reforzado la idea de que en cada proceso hay varias crisis, aunque por experiencia estoy acostumbrado a verlas venir. He tenido que decir: “Todos fuera media hora porque no sé ni dónde estoy”, todo esto en un ambiente de vitalidad y energía increíble, trabajando doce horas al día. Así que la asociación entre crisis y creatividad se confirma. En el número de rueda alemana de Diego Díaz tenía clara la imagen del Ave Fénix: dar vueltas cercado por el fuego, y después, se va el fuego y algo ha cambiado.
TCP: En el espectáculo se combinan momentos más solemnes y poéticos con otros más humorísticos, como el de Greased Lightnin’. ¿Qué se quiere contar con momentos como éste? ¿Es una parodia?
RT: Sí, tiene algo de parodia, sobre todo para mí que he trabajado en varios musicales. El personaje de Thomas Dechaufour [mástil] es el don nadie que se cree alguien. Ese número lo habíamos probado con La chica yeyé, pero Thomas propuso Greased Lightnin’ y me pareció que también evocaba alegría y energía. Aún no es satisfactorio ese momento porque a los chicos les cuesta creerse que están en un musical, no están aportando su viaje. Pero incluso aunque odiaran ese número tiene que creérselo, porque si no perjudican a su compañero, no le permiten vivir su sueño. No quiero hacer parodia de la parodia.
TCP: Sabes que utilizar esa canción es arriesgado, porque es una canción que recuerda a muchas cosas, empezando por la película.
RT: Sí, pero no quiero esquivar cosas así. Yo no acudí a Grease, el número surgió con La chica yeyé, y ahora da la casualidad de que encaja con Grease -los monos, los neumáticos- y crea nuevos significados…
TCP: ¿Y qué pasará cuando acabe CRECE?
RT: Es y ha sido una experiencia muy fuerte para los chicos, tan jóvenes, recién salidos de sus escuelas; en un sitio como éste y en un espectáculo como CRECE. Creo que hasta dentro de un tiempo no comprenderán plenamente qué ha significado una experiencia como ésta.
TCP: Muchas gracias, Rob; y mucha mierda para la función de esta tarde.
Ha llegado el gran día. Los nervios, a veces, son la prueba de que todo va bien… sobre todo cuando se transforman en fuerza, en actitud de “hoy me como el mundo”. Este CRECE se presenta al mundo con mucha expectativa y con tremendas ganas de gustar. Ayer el resultado, si es que se puede hablar de “resultados” en un proyecto como éste, se mostró por primera vez al público, en un ensayo general. Roberto Oliván, nuevo director, micrófono en mano, explicaba el entusiasmo que sentía todo el equipo ante la prueba de fuego. Dio paso al espectáculo, el regidor dio el pie a los técnicos, se hizo la luz y… se hizo la magia. Números de circo, enérgicos y poderosos, sumergidos entre sonidos -gran espacio sonoro de Laurent Delforge, compuesto a partir de la respiración y los ruidos que generan los propios artistas en la pista- , entre confesiones íntimas, entre cuerpos que danzan y que se miran con calor e inocencia. Y esto, sin que se pierda ni un ápice de la personalidad de cada uno de estos jóvenes artistas: Sonia Massou, empapada en agua y defendiendo sus verticales; Alexandra Royer y su energía, más propia de un duende travieso, doblando su prodigioso cuerpo de goma sobre el aro, la mexicana Julia Sánchez escuchando sus propias confesiones grabadas mientras vuela sobre la cuerda… es injusto citar sólo a unos pocos, pero es que lo mejor es descubrirlo por uno mismo. El público se volvió loco. De pie y entre silbidos y ovaciones, recompensó el esfuerzo y la valentía de entregarse así a los demás. Auguramos un feliz estreno y un día a día tan productivo como los ensayos, porque ésa es la naturaleza de CRECE: la del intercambio, la del proceso y la puesta a prueba de uno mismo. Y, sobre todo, la de seguir adelante, haciendo honor a su nombre.
